美术史论文（专业12篇）
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中国美术史教学论文
课程名称：中国美术史（中文）/arthistoryofchina（英文）。
学时/学分：32/2。
先修课程：平面构成、色彩构成。
适用专业：艺术类、设计类专业。
一、本课程的性质、目的。
中国美术史是艺术设计专业的一门专业必修课，旨在介绍及分析中国各个不同历史阶段重要代表美术作品，便学生了解美术作品的内容、制作方法、审美特色以及意义。教学总体目标在于经由对中国美术作品的认识，了解中国文化的精神及面貌，并由此促使学生们反思本土艺术文化的特色。
二、本课程的教学内容和基本要求。
第一章原始社会的美术、先秦美术。
（一）基本要求：基本了解原始社会的骨、牙、纺织及其它工艺、先秦绘画和先秦雕塑，掌握原始社会的石器、陶器、绘画、雕塑；先秦灿烂的青铜工艺：滥觞期、鼎盛期、转折期、衰落期。
（三）教学内容。
1、原始社会的石器、陶器、绘画、雕塑。
2、原始社会的骨、牙、纺织及其它工艺。
3、先秦灿烂的青铜工艺：滥觞期、鼎盛期、转折期、衰落期。
4、先秦绘画。
5、先秦雕塑。
（四）学时分配：4课时。
（五）习题与作业。
1、论先秦青铜工艺的发展历程。
第二章秦汉美术、魏晋南北朝时期的美术。
（一）基本要求：了解秦汉绘画艺术：壁画、帛画、秦汉雕塑艺术、魏晋南北。
朝时期人物画的.新发展、魏晋南北朝时期山水画的兴起，掌握秦汉画像石与画像砖、魏晋南北朝时期的石窟艺术、画论。
（二）重点与难点：秦汉画像石与画像砖、魏晋南北朝时期的石窟艺术、画论。
（三）教学内容。
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（四）学时分配：6课时。
（五）习题与作业。
1、论魏晋南北朝时期为何会兴起山水画？
第三章隋唐美术。
（一）基本要求：了解隋唐壁画、工艺与雕塑，掌握鞍马、畜兽和花鸟画、山水画、人物画。
（二）重点与难点：鞍马、畜兽和花鸟画、山水画、人物画。
（三）教学内容。
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5、人物画山水画鞍马、畜兽和花鸟画壁画工艺与雕塑。
（四）学时分配：4课时。
（五）习题与作业。
1、谈隋唐山水画的新发展。
第四章五代、两宋、元代美术。
（一）基本要求：了解宋代雕塑和工艺美术、元代水墨梅竹与花鸟画、人物肖像画等内容，掌握宋代绘画的繁荣兴盛、宋代雕塑和工艺美术、元代山水画。
（二）重点与难点：宋代绘画的繁荣兴盛、宋代雕塑和工艺美术、元代山水画。
1、五代绘画的承前启后。
2、宋代绘画的繁荣兴盛。
3、宋代雕塑和工艺美术。
4、辽、金、西夏美术。
5、元代山水画。
6、元代水墨梅竹与花鸟画、人物肖像画。
7、元代寺观壁画。
（四）学时分配：8课时。
（五）习题与作业。
1、谈宋代绘画的繁荣兴盛的原因及表现。
第五章明代、清代美术。
（一）基本要求：了解清代的宫廷绘画与仕女人物画、明前期宫廷绘画与浙派等内容，掌握吴门四家及其传派、明末山水画派与董其昌、扬州画派。
（二）重点与难点：吴门四家及其传派、明末山水画派与董其昌、扬州画派。
（三）教学内容。
1、明前期宫廷绘画与浙派。
2、吴门四家及其传派、明末山水画派与董其昌。
3、水墨大写意花鸟画派、明末的人物画大家。
4、明朝壁画和版画。
5、固守传统与破格创新的清初画坛。
6、扬州画派、清代的宫廷绘画与仕女人物画。
7、清代壁画、版画与年画。
（四）学时分配：6课时。
（五）习题与作业。
1、论明末山水画派特色与董其昌的贡献。
第六章近代美术。
（一）基本要求：了解中国早期的美术教育、中国早期的美术留学生、新时期的工艺美术，掌握新艺术观的形成和发展。
（二）重点与难点：新时期绘画艺术、新艺术观的形成和发展。
1、绘画艺术。
（四）学时分配：4课时。
（五）习题与作业。
1、写一篇。
目4000字左右的论文，学生自己选择与中国美术史有关的任何题。
三、主要教学参考书。
2、杨仁凯主编《中国书画》。
4、陈传席著《中国山水画史》。
5、贡布里希《艺术发展史》。
中国美术史教学论文
摘要：中国美术历史悠久,各类繁多,有其独特的艺术风格。艺术家们受到文化、地域、时代、生活等影响造就丰富的中国美术。中国美术有一个很基本的特点是人生而美术,其基本原则是观照人本身,主要为人身心服务,同时融入宗教信仰、思想等。通过分析中国美术特征对美术教学进行思考,期待更好的将美术成果运用到美术教学中去。
美术源于生活又高于生活,它是社会意识形态的一种,由社会生活决定和制约,并且还会反作用于生活。归根结底美术是为人服务的,美术通过美术作品、大众接受及美术本身的形式等作用于社会生活,同时美术本身发展和美术创作也对其自身起到积极作用,形成一个自给自足的循环体系。
中华民族文化历史悠久,中国美术以中华民族历史文化作基础,不断发展不断壮大,形成自己独特的民族风格,富有强大生命力和美好辉煌的未来。展现出中国艺术强大的生命力和光辉未来。中国美术历史源远流长,它不仅包括绘画、工艺还有雕刻和建筑等,并且中国美术还具有自己独特的传统体系这与西方美术有很大不同。
从社会公众角度出发中国美术有一个很基本的特点是人生而美术。中国美术基本原则是观照人本身,主要为人身心服务,同时融入宗教信仰、思想等等。美术概论里面的“成教化,助人伦”的概念就是这一体现,美术作为一种社会意识形态发挥了它的社会功用价值。“逸笔草草”“写胸中意气”强调艺术家的情感抒发,具有审美娱乐功能并且通过美术作品使人们得到心灵的愉悦放松。无论是中国画中的气韵生动、外师造化,中得心源,建筑的和谐安详,还是书法中的万物有灵,这些都是强调以人为主要前提的。中国人非常重视人本身,不骄不燥、喜欢和平内敛,注重个人修养。中国美术注重表达人生态度追求人生价值,体现中国画的精神内涵。中国美术融入宗教和哲学思想,很多美术作品主题为人与自然和谐相处。它受儒学影响以人为本,追求真善美。道教的“天人合一”也影响了很多著名画家。中国画讲求“气韵生动”“以形写神”“形神兼备”“似也不似之间”“传神写照/迁想妙得”。
二、中国美术蕴含的精神价值。
中国美术影响广泛,承载着生命气息,无论是美术理念还是美术作品都要充满生的动力。
为人生而美术是指中国美术具有创造守候生命的艺术精神,从人的生命/人格及心灵等方面来关照。首先,中国美术承载人的生命力量与意义。中国画里面的写生充分体现这一观点。什么叫写生,就是对照实物进行绘画,从词源意义上说,写生是因为五代时期的画家腾昌v“工画而无师,惟写生物”而来,写生不仅仅是对照实物去描绘,更是需要画家看到描绘对象的的状态生命力量,这就是生的意义所在。
从古代的美术作品中我们可以看到人们对生殖对生命的信仰。传统美术作品中充分体现的人们对的生态度,那就是子孙万代、生生不息。在原始时代有很多丰乳/肥臀、大肚的女性造像,些造像其实就是当时人们对生殖崇拜的一种体现。被中国美术作品呈现出来的还有中国民间很多象征性的生命符号。例如:连年有鱼、鱼莲生子、石榴百子、葫芦生子等象征生子的美术作品形象。还有最常见的中国人结婚时的早生贵子,后面的观音送子、老虎头的鞋等等无论是以绘画形式还是刺绣形式又或是雕塑形式,都要是在表现美术的生命力量与意义。
其次,中国美术富含人的理想与品格。中国人在追求了基本的存在后,对生命的力量及意义进行探究,并且把生命的意义及内涵提升到人的品格上,并给予分级。为此,中国美术总是具有以人格衡量审视品评美术行为与作品的观念与行为特点。例如几岁孩童都知道的“四君子”和“岁寒三友”。梅花是我国的传统名花之一。人们赋予梅花“雪中高士”把其人格化了。范成大在“梅谱前序”中说到:“梅为天下尤物,无问智、愚、贤、不肖、莫敢有异议。学囿之士,必先种梅,且不厌多,他花有无多少,皆不系轻重。”还有咏梅蕴含着古代文人的人格意识。更有很多人以梅为名以梅自号。可见梅花孤标姿态/品格风流得到人们的认同,受到历代文人的喜爱。除“梅兰竹菊”外还有古人喜画荷花,荷花也入诗也入画,一直以来都是文人墨客吟诗作画的题材之一。荷花具其独特的审判意象,承载着我们的精神寄托有着深厚的文人情怀。人们赋予荷花清香纯洁淡雅的品格,有“出淤泥而不染,濯清涟而不妖”的品格。古代都是把人品和作品联系在一起的,无论书画作品还是书法作品还是雕刻等等都要承载着人的追求理想人格的精神内涵,画如其人就是这个意思。
最后,中国美术承载丰富的生命情感。中国画讲究“妙在不似之似之间”。黄宾虹说:“绝似物象者与绝不似物象者,皆欺世盗名之画,惟绝似又绝不似于物象者,此乃真画”。中国美术承载的生命情感让作品升华。东汉时期的《马踏飞燕》自出土以来被视为中国青铜艺术的奇葩。马踏飞燕运用浪漫主义手法烘托出了骏马矫健的英姿和风驰电掣的神情,以人们以丰富的想象力和感染力,既有这也是中国力的感觉,又有动的节奏。还有这一时期的《击鼓说唱俑》,特点一目了然,诙谐/幽默,形象生动具有很强的感染力。中国美术承载丰富的生命情感,生动/丰富/有感染力。
无论是中国画还是雕塑还是书法等待都充分发挥和体现人的人生价值与意义,为人生而美术是中国美术正流。中国美术为人生而美术的理念也让我在教学方面得到很多启示:。
(一)引导学生多观察、多实践、身临其境、从心出发。注重写生,让学生从内心情感出发去体会。给学生更多的实践机会,增强学生绘画热情和自信心。面对真实的描绘对象,从中找到自己感兴趣的点,促进学生观察能力和感悟能力的提高。吴作人先生提出“艺为人生”的.观念,他认为艺术是与社会生活密不可分的,随时代的发展而发展,是不能脱离现实的,是能够让人理解的,是人世之作。他在提倡教学与社会结合,与创作结合。所以要让学生融入生活,体会生活,多写生。可以是对同一物象不同视点的观察,也可以是不同时间的观察体会,也可以是不同地点同一物象的观察描绘。让学生有一个基本的观察分析能力,提高审美能力。
(二)让学生寄情予画,给自己的画带来生命活力。学生在创作时有一个基本要求应该是符合自然,抒发情感。因为学生的性格各不相同,有的张扬,有的内敛,有的安静,有的活泼,所以每个同学表现在画中的状态一定不同。学生看到同一物象或经历同一事件的感受是不同的,需要认真体会通过作品表达出来。古人言绘画妙在似与不似之间,不能只要求学生画的像,关注更多的应该是感受,感觉像才是对的,这对学生形成自己的独特风格很重要。不可以让学生只停留在技法上,这样只会是图片复制,没有意趣。重点要做的是需要让学生理解感觉像才是对的。
(三)分析大师作品,体会大师作品中的巧妙构思与情感表达,提高学生审美能力。这样学生在自己的创作时就会发挥其审美力,提高作品的格调。
四、结语。
中国美术丰富多彩,在教学中要把握为人生而美术的整体方向,对学生进行实践引导,师法自然寄情于景。引导学生内外兼修提高学生品格,提高学生审美能力使学生真正学到美术的真理,使中国美术在光辉的道路上继续发光发亮。
参考文献。
[1]翁振宇美术教育概论[m].北京:中国美院出版社,.
[2]吕品田.中国美术发展战略研究[j].美术家通讯,2008.
[3]黄冬富.艺术与人文教育:上册[m].台北:桂冠图书,.
中国美术史教学论文
《中国美术史教程》,是我大学时的一本教科书，记载着我国很多的美术历史知识，最近利用业余时间又重新读了此书，整理概括了各个时间或朝代中国美术发展状况。现总结如下:中国是世界四大文明古国之一，有着悠久的历史和灿烂的文化。中国美术也同样渊源流长，具有鲜明的民族风格和卓越成就，在世界美术之林中独树一帜。在漫长的的历史年代里，中国人民在美术领域里发挥了聪明才智，知名美术家众多，创作了不计其数的优秀美术作品，许多美术遗迹保留至今，成为中国乃至世界人民的宝贵财富。中国美术的伟大成就，让我们引以为豪。因此，作为一名美术教师，有必要了解中国美术的光辉历史，丰富自身文化修养，培养高尚的审美情趣。并在教学中传授给学生，增强学生爱国主义思想、民族自尊心和自信心。
原始社会的美术主要体现在对石器的制作、使用和装饰品的制作。劳动是从制作工具开始的，制造劳动工具是人类的特点。由于劳动人类才从动物界脱离开来。生存于距今70万至20万年前的北京猿人，经过了漫长岁月的劳动实践，大脑已比较发达，手脚完全分工，右手已相当灵巧，并已产生了有音节的语言。语言的产生和思维能力的发展密切相关，而思维能力则又是艺术创作的前提。北京猿人在石器的制作和使用上，已就积累了不少经验。他们能制作各种不同用途的石器，对造型样式有了一定的认识，初步掌握了一定的造型手段。而距今1万8千年前的山顶洞人的创造活动，除了有较过去精良得多的劳动工具外，还出现了前所未有的装饰品。从鸟骨线纹、穿孔贝壳、孔眼兽牙、染色石串珠这些装饰品中我们可以看出，山顶洞人对已掌握了一定的装饰艺术品的知识和技巧。并有了精神财富的创造，包涵着他们强烈的审美意识。他们对美得若干规律性认识从此产生。
当中国的远古人类跨过了石器时代、金石并用的时代,就迎来了金属时代——青铜时代。以青铜工艺为代表的美术创作是我国古代美术史上的又一个高潮。揭开了中国美术史的新篇章。其中出土最大的青铜器是1939年出土于河南安阳侯家庄的司母戊鼎。此鼎造型雄伟庄严。鼎为长方形，四个柱形足的外侧有突起的兽面，鼎腹中间光洁，四周皆装饰以龙纹组成的兽面纹装饰带。直立的鼎耳上铸有双虎相向而立，中间夹有一浮雕的人头形象，给人以精神上的威慑和压抑。如此精美的青铜器，体现了商代青铜工艺的高超水平。也反映了当时社会、政治、宗教的审美意识和审美观念。
进入了战国时期后,出现了最早的真正独立的绘画作品《人物龙凤帛画》、《人物御龙帛画》。两幅画都有一定的技巧水平。《人物龙凤帛画》画法比较古朴，具有一定的装饰风，而《人物御龙帛画》技巧比较成熟，人物形象准确，神采生动，不仅追求外部形貌的肖似，更注重通过外貌的描写揭示内在的精神气质。体现出了“形具而神生”的理论。此两幅画可以看出我国战国时期人物肖像艺术成就,楚国贵族妇女的基本特征和“楚王爱细腰”的审美时风。也为秦汉绘画的发展打下了良好的基础。秦汉时期的美术作品在壁画、画像石、画像砖、帛画、书法等方面都取得了不小的进步，但让世人瞩目的无疑是秦始皇陵兵马俑。兵马俑的内容包括战车、骑兵、步卒、弩兵等。兵马俑都与真人真马等高或稍高，制作工序复杂，形象多样生动传神，体现秦朝战士的精神风貌。兵马俑阵容庞大，组织严整，巨大的规模和恢宏的气势，是秦王朝国力和武力的象征，是对秦始皇统一伟业的歌颂。高超的写实水平和对人物精神气质的成功塑造充分体现了那一时代雕塑艺术的飞跃发展和进步。
到了隋唐,佛教壁画在艺术上呈现焕然一新的景象。由欢乐明亮代替了阴森血腥,从中可以看出当时的社会现象、宗教思想与人们的愿望。如《净土变》、《药师净土变》等壁画。唐代审美理想一改之前的“清赢示病之容”，更喜“丰腴华贵”。从张萱人物画中,我们可以看到,张萱画的妇女形象丰腴硕体,服饰艳丽,描绘的是盛唐贵妇的欢乐情绪。体现出当时社会生活的丰衣足食，人民生活开心安宁。同时，和平富裕的社会环境促进了精神世界的发展。
到了宋代,文人画风出现,宋代文人画家强调主观感受在笔墨上的流露,都在“笔墨情趣”中披露自己的心境,在技法上注重“写意”,如，苏轼认为绘画不是不要形似,而是认为形似并不是绘画的终极目的,只有神似才是绘画的最高法则。苏轼非常重视构思,注重“意在笔先”。北宋的山水画以高山流水为主体,给予人们的审美感受宽泛、丰满而不确定。南宋，更注重简单化、单纯化的形式,诗意的追求和细节真实同时并举,以简化繁中国艺术的境界美在这里得到了进一步的发展,随着人们的审美观念的转变山水画也在发生着变化。
元代,士大夫画在宋金的基础上有着明显的发展,成为令人瞩目的现象。元朝前期具有一定社会地位的士大夫画家，如赵孟頫，高克恭，商琦等，具有很大影响。也有一些宋朝遗民如郑所难、龚开灯，在绘画中寄托对先朝的怀念，并以曲折的方式表露他们的政治态度，元代中后期在画坛中显露才华的多是遭遇落魄、经历坎坷的文人。创作上以山水花鸟及墨竹、墨梅最为盛行。他们强调文人士大夫的艺术趣味，重视笔墨性能的发挥，以诗文题画成为作品重要的组成部分，使书法、文学、绘画结合为一体。对明清文人画的发展具有直接和重大的影响。
到了明清,画家众多，画派林立，盛况超过前代，绘画在社会上有了很大的普及。文人画仍占主导地位。但民间绘画也非常活跃，年画和版画的成就十分突出。宫廷绘画创作一度表现出振兴的局面。宫廷、民间和文人画艺术有一定的互相渗透和交流。代表画家有：明朝王履、刘俊、李在等。最著名的莫过于“江南第一风流才子”唐寅。唐寅在山水、人物、花鸟画上都有不小的成就。清朝，八大山人最为人所知。其“拙规矩于方圆，鄙精研于彩绘”，“不拘成法，长于水墨，画风朴拙二不作矫饰，笔墨含蓄而沉郁丰富，把写意花鸟画继承发展到了一个新的水平。同时，西方美术开始通过传教士传入中国，清代宫廷有少数外籍画家，他们的创作和画风为某些中国画家所吸收，对民间美术也有一定的影响。真正对西方美术的学习和借鉴在鸦片战争以后。
重读《中国美术史教程》让我收获颇多，在这仅仅陈列了部分美术发展概况，具体情况无法一一陈述。毕竟中国美术博大精深，和中国历史一样源远流长。了解中国美术史的发展，知道中国美术的艺术种源，在教学中让学生感受美术的美、学会鉴赏美术的美。足矣!
中国美术史教学论文
教学日期：
教学要求：
使学生了解史前美术。
教学重点：彩陶。
授课过程：
第一章史前美术。
第一节概述。
史前美术的概念是指没有确切文字历史记载之前的历史。这是一个相当漫长的历史空间。目前学术界较为通行的分类方法是将其划分为旧石器时代和新石器时代。就现有的出土文物来看，宽泛意义上的美术已初见端倪。旧石器时代的美术主要体现于这一时期所使用的石器工具上。新石器时代的美术则转向了器用。陶器的发明，在实用性的前提下，发展了美的造型和装饰。所以新石器时代的美术绝大部分都与陶器的发展密切相关，这时期的绘画和雕塑也在陶器的造型和装饰上得到表现。另外，岩画、地画、壁画、玉石雕刻等工艺也得到了发展。
第二节时代分期和主要遗址。
目前我国所知出土有古人类化石和旧石器文化遗物的遗址大约有两百多处，下面仅介绍其中较为重要部分：
旧石器时代早期。
山西城西侯度文化遗址，距今约180万年，是中国最早的旧石器时代遗存，发现有石器工具、动物化石和火烧遗迹。
云南元谋人文化遗址，距今约为170万年，发现有中国已知最早的人类化石以及石器工具、动物化石和火烧遗迹。
此外，河北阳原小长梁、东谷坨文化遗址，距今约100万年；陕西蓝田公王岭蓝田人文化遗址，距今约100万年；北京周口店龙骨山北京人文化遗址，距今约70万年~20万年，均发现有人类化石、石器和火烧痕迹。
旧石器时代中期。
山西襄汾丁村人文化遗址，距今20万年，发现有人类化石、石器工具和动物化石。
陕西大荔甜水沟大荔人文化遗址，距今10万余年，有人化石、石器工具和动物化石。
山西阳高许家窑人文化遗址，距今19万余年，有人类化石、石器工具，骨角器和动物化石。
旧石器时代晚期。
辽宁海城小孤山文化遗址距今4~2万年；山西朔县峙峪人文化遗址，距今2.8万年；宁夏灵武水洞沟文化遗址，距今2.5~1.6万年；北京周口店龙骨山山顶洞人文化遗址，距今1.8万年等等，均发现有石器工具、骨角器、装饰品和动物化石。
中国的新石器时代大约起始于公元前8000年，一直延续到公元前左右。已发现的新石器时代文化遗址达7000多处，它们的文化面貌多样，内涵丰富，各有鲜明的地方特色，大体上可以分为以下4个区域：
黄河流域。
早期的新石器时代文化遗址主要集中于河南中部的裴李岗文化，约公元前5500~前4900年；河南北部的磁山文化，约公元前5400~前5100年和主要分布在渭河流域的.大地湾文化，约公元前5200~前4800年。
中期主要一在黄河中游分布甚广、延续时间久长的仰韶文化（约公元前5000~前3000年，分为半坡类型和庙地沟类型）为主，还有黄河下游的大汶口文化（月公元前4300~前2500年）。
属于晚期的有黄河上游的马家窑，约公元前3000~前2050年，按其发展顺序可分为石岭下、马家窑、半山和马厂4个类型。它与仰韶文化有一脉相承的继承发展关系。
长江流域。
早期主要有河姆度文化（其下层文化约为公元前5000~前4600年）和马家滨文化，约公元前5000~4000年。
中期主要有分布于长江中下游的大溪文化，约公元前4400~前3300年，和长江下游地区的北阴阳营文化，约公元前4000~3300年。
晚期以继承马家滨文化发展而来的良渚文化为主，约公元前3300~前2250年，还有屈家岭文化约公元前3000~前2600年。
华南和西南地区。
早期有仙人洞一期文化（发现于江西万年仙人洞，约公元前6800年）和广东粤西地区的阳春独石寨，封开黄岩洞等。
晚期文化遗址分布较广，主要有石峡文化、山背文化、凤鼻头文化等等。广大的华南地区西南地区，存在着面貌多样、相互关系复杂的新石器文化。
北方地区。
早期的新乐文化（发现于辽宁沈阳新乐，约公元前5300~前4800年）分布于辽宁东南部，中期的红山文化（发现于内蒙古赤峰红山，约公元前3500~3000年）分布于辽宁、内蒙古和河北交界地区。
到新石器时代晚期，各地文化类型有相互交流、影响以至融合统一的趋势，而中原地区文化的先导地位也日益突出。
商代美术史论文范文
摘要：当前，高师美术教育正在发生着深刻变革。其突出特点是培养目标更加多元化，教师教育更加专业化，教学过程更趋数字化。把握这时代特征，有利于提高高师美术教育的质量和效益。
关键词：高师美术教育培养目标教师教育教学过程。
近年来，高师美术教育在“艺考热”、扩招热及火爆的艺术品市场推动下，其办学模式发生了深刻变化。多数高师院校打破了单一培养教师的传统，面向市场设置应用型艺术设计专业，形成一种办学模式多元化的强劲态势。同时，在基础教育新课改和以数字化为特征的信息技术推动下，教师教育专业化、教学过程数字化两种趋势也十分明显给高师美术教育带来了新的机遇与挑战。
一、培养目标趋于多元化。
(一)设计艺术成为高师美术教育新的生长点。
高师美术教育培养目标的多元化不是一种孤立的现象，而是席卷全国的大学综合化总趋势的一部分。从高师美术教育的角度看，这种综合化趋势是从两个层面展开的：一是美术教育的综合化。在以往，美术学专业有师范类与非师范类之分在2005年教育部印发的《全国普通高等学校美术学(教师教育)本科专业课程设置指导方案(试行)》中，“师范类”被“教师教育”所代替。这不仅仅是名称的变化，而是为培养主体多元化开辟了道路。当前，不少艺术学院都开设美术学(教师教育)专业，其在师资、科研、教学基础等方面的优势立刻显现出来，并对师范院校的美术教育形成了强劲的挑战。二是教师教育综合化。近年来，综合性大学举办教师教育已经成为一种国际趋势。1991年，在欧洲教师联合会上，由欧共体12个成员国60位专家共同提出了“教师教育大学化”的口号，认为“大学应该在教师培养和培训中扮演重要角色”。在我国，1999年第三次全国教育工作会议提出，要鼓励综合性高等学校和非师范类高等学校参与中小学教师的培养工作，在有条件的综合高等学校中试办教育学院。2003年11月，全国一百多所非师范类院校召开会议，共同《非师范院校积极参与教师教育的行动宣言》，明确指出：“中国教师教育已经进入了一个从数量满足向质量提高转变的历史新时期。实现这种转变，鼓励师范院校综合化和综合大学参与教师教育，是世界教师教育发展的共同趋势，也是我国经济社会和教育发展的客观要求。”实践证明，综合性大学办教师教育，能够充分发挥其办学经费充足、硬件设施先进、学校认同感较好等优势，他们的毕业生后劲足、适应性强，更加受到中小学校和同行的好评，这也成为高师院校实现培养目标多元化的原因之一。
(二)培养目标多元化推动人才培养模式创新。
二、教师教育趋于专业化。
(一)“教师专业化”已经从理论走向现实。
我国传统的美术教育注重技能训练，因而培养出来的学生其职业意识更倾向于是一个画家而非美术教师。这种状况随着教师地位的提高，尤其是随着“教师专业化”理论的提出而有所改变。教师专业化理论最早是由社会学家卡尔·桑德斯(carrsaunders，a．m．)于1933年提出来的。1986年，卡耐基公司和霍姆斯小组相继发表的《国家为21世纪准备教师》两份报告，指出公共教育质量只有当学校教育发展为一门成熟的“专业”时才能得到改善。在我国，1993年颁布的《教师法》明确提出：“教师是履行教育教学职责的专业人员。”2000年，《职业分类大典》也将教师归人“专业技术人员”。从2001年4月1日起，国家首次全面开展教师资格认定工作。这些都从法律和制度层面奠定了教师专业化发展的基础。教师专业化是针对其知识结构不合理、专业性不突出，以至于产生较大的职业可替代性提出来的，意在提高教师社会地位、职业地位和专业地位。尽管与“画家”的名头相比，美术教师的专业化程度仍比较低。但随着教师专业化程度的逐步加深，美术教育必将成为一种不可替代的职业而获得普遍的尊重。
(二)促进专业发展是高师美术教育的义务。
美术史论文字范文
《清明上河图》的鉴赏，对画家张择端的了解，进一步探索美术鉴赏对我们的意义和启发。
美术鉴赏是对美术作品进行评价和欣赏。美术鉴赏是一种审美活动，它是鉴赏者运用自己的感知能力，情感，审美经验和知识修养，对美术作品进行感受、体验、理解和评价，从而获得审美享受和艺术知识，提高审美能力，陶冶情操的过程。它也是鉴赏者面对足以引起审美感情的作品，两者相互作用而产生的一种心物感应，物我交融的复杂的心理过程。
下面以中国十大传世名画之一《清明上河图》为例，先对作品进行鉴赏，然后结合这幅作品来谈谈美术鉴赏的意义。
《清明上河图》宽厘米，长厘米，绢本设色，是北宋画家张择端存世的仅见的一幅精品。《清明上河图》生动地记录了中国十二世纪城市生活的面貌，这在中国乃至世界绘画史上都是独一无二的。作品以长卷形式，采用散点透视的构图法，将繁杂的景物纳入统一而富于变化的画卷中，画中主要分为两部分，一部分是农村，另一部分是市集。画中有五百五十余人，牲畜五六十匹，船只二十余艘，房屋楼宇30多栋，车13辆，轿14顶，桥17座，树木约180棵，往来衣着不同，神情各异，栩栩如生，其间还穿插各种活动，注重情节，构图疏密有致，富有节奏感和韵律的变化，笔墨章法都很巧妙，颇见功底。这幅画描绘的是北宋汴京市井生活清明时节的繁荣景象，是汴京当年繁荣的见证，也是北宋城市经济情况的写照，栩栩如生地描绘了北宋都城汴京的日常社会生活与习俗风情。好一派繁荣昌盛的景象啊!
一、汴京郊野的春光：疏林薄雾中，掩映着低矮的草舍瓦屋、小桥流水、老树、扁舟，阡陌纵横，田亩井然，依稀可见农夫在田间耕作。两个脚夫赶着五匹驮炭的毛驴，向城市走来。一片柳林，枝头刚刚泛出嫩绿，使人感到虽是春寒料峭，却已大地回春。路上一顶轿子，内坐一位妇人。轿顶装饰着杨柳杂花，轿后跟随着骑马的、挑担的，从京郊踏青扫墓归来。
环境和人物的描写，点出了清明时节的特定时间和风俗，为全画展开了序幕。
二、繁忙的汴河码头：汴河是北宋国家漕运枢纽，商业交通要道，从画面上可以看到人烟稠密，粮船云集，人们有在茶馆休息的，有在看相算命的，有在饭铺进餐的。还有“王家纸马店”，是扫墓卖祭品的，河里船只往来，首尾相接，或纤夫牵拉，或船夫摇橹，有的满载货物，逆流而上，有的靠岸停泊，正紧张地卸货。
横跨汴河上的是一座规模宏大的木质拱桥，它结构精巧，形式优美，宛如飞虹，故名虹桥。一只大船正待过桥。船夫们有用竹竿撑的;有用长竿钩住桥梁的;有用麻绳挽住船的;还有几人忙着放下桅杆，以便船只通过。邻船的人也在指指点点地在大声吆喝着什么。船里船外都在为此船过桥而忙碌着。桥上的人，也伸头探脑地在为过船的紧张情景捏了一把汗。这里是名闻遐迩的虹桥码头区，车水马龙，熙熙攘攘，名副其实地是一个水陆交通的会合点。
三、热闹的市区街道：以高大的城楼为中心，两边的屋宇鳞次栉比，有茶坊、酒肆、脚店、肉铺、庙宇、公廨等等。
商店中有绫罗绸缎、珠宝香料、香火纸马等的专门经营，此外尚有医药门诊，大车修理、看相算命、修面整容，各行各业，应有尽有，大的商店门首还扎着“彩楼欢门”，悬挂市招旗帜，招揽生意，街市行人，摩肩接踵，川流不息，有做生意的商贾，有看街景的士绅，有骑马的官吏，有叫卖的小贩，有乘座轿子的大家眷属，有身负背篓的行脚僧人，有问路的外乡游客，有听说书的街巷小儿，有酒楼中狂饮的豪门子弟，有城边行乞的残疾老人，男女老幼，士农工商，三教九流，无所不备。
交通运载工具有轿子、骆驼、牛马车、人力车，有太平车、平头车，形形色色，样样俱全。绘色绘形地展现在人们的眼前。
张择端在作这幅画时极注意细节，人物的表情栩栩如生，动作定格生动，使人身临其境。他并不注重虚境和实境的对比，而是细致描绘每个角色，甚至画中的树木都做细致的刻画，不同树木的质感和空间对比都表现得极为充分。人物和食物的比例合度，远近也层次分明。画家在作画时线条清晰自然，颜色深浅浓淡事宜，人物表情丰富，直达内心，景物自然和谐，与人物相应成辉，所体现的朝气和谐的繁荣景象，充分反映了张择端对客观外界和主观感受的高度尊重。
画家在注重实际事物刻画的同时，又注重绘画本身的笔墨意趣。在画家看来，绘画之美并不仅仅在描绘自然景色，更重要的是笔墨本身所体现的美，所传达出的画家的主官感受、气势和意趣。
下面结合这幅作品来谈谈美术鉴赏的意义。
通过对这幅《清明上河图》的鉴赏以及推及到其它的作品可以看出，通过对美术作品的鉴赏不仅可以学到美育知识，更可以培养创造美的能力。对我们的性格，感情，认识，人生观，思想观等都有非常重要的意义，可以培养我们的积极性、主动性，使艺术素养、人文修养得到提高。
更具一般的说，美术鉴赏的意义在于使作品完成它的创作使命。没有欣赏或鉴赏的作品，即不与观众见面的作品是不会产生任何社会作用的，美术作品只有通过鉴赏才能产生作用。美术鉴赏的过程是观者积极思考，根据自己的生活经验及掌握的知识，对作品加以理解而使作品达到完善的过程。具体作品面对不同的观者将产生不同的效应，但美术作品存在的共同效应是主要的。美术欣赏是为提高人们的文化素养与审美素质，以促进社会发展为目的。
首先美术鉴赏可以帮助我们开阔眼界，扩大知识领域。人类生活的世界是极其广阔的，生活内容无比丰富，但对每个儿人来讲，不管他如何见多识广，也不可能体验到社会生活的一切方面。然而，借助于古今中外许多优秀的美术作品，却可以使我们形象的接触到许多人生与经历远远不能涉及的广阔领域。以中国的美术作品为例，上下五千年，许多绘画，雕塑，工艺和各种建筑艺术，都可以帮助我们开阔眼界，使我们从中了解到许许多多从书本上和个人经历所无法得到的生动而丰富的知识。外国美术作品，更向我们展示了一个广阔的世界。所以通过对古今中外美术作品的欣赏，可以帮助人们周游世界，漫步历史，极大的扩展知识领域。
其次，美术可以陶冶人的情操，促进精神文明建设。美术欣赏活动的特点，首先表现在它是一种感觉和理解，感情与认识相统一的精神活动。因此，欣赏者通过对艺术作品的欣赏而提高认识、接受教育。如我国原始社会的彩陶和商周的青铜艺术，以及他们许多巧夺天工、光彩夺目的工艺品，使人深深地认识到我们祖国历史的悠久和古老文化的辉煌，从而增强热爱伟大祖国的思想感情。在欣赏的过程中，通过比较鉴别，也可以使我们认识到什么是真善美，什么是假恶丑，审美的批判过程，便是提高精神境界的过程。
第三，美术鉴赏是提高艺术修养和审美能力的重要途径。马克思说：“艺术对象创造出动的艺术和能够欣赏艺术的大众”。这就是说，按照美的原则创造出来的作品，反过来又会对人们起审美的教育作用，从而提高人们鉴赏艺术的能力。这种鉴赏艺术的能力的积累，就是人的艺术素养能力提高的过程。艺术作品看的愈多的人，就愈能鉴别和欣赏艺术。我国古代南北朝时期著名的文艺理论家刘勰说的“操千曲而后晓声，观千剑而后识器”讲的就是这个道理。多欣赏一些古今中外优秀的美术作品，多对日常生活中的美术作品进行审美分析，是提高人们艺术素养和审美素养的重要途径。
我们在欣赏这些美术作品的过程中会被其中真实而生动的形象所打动，唤起我们优美崇高的思想感情。在这种潜移默化的过程中，我们会得到心灵的净化，情感的陶冶，在不知不觉中接受了健康向上的精神品质和道德情操，从而改善人的情感状态，影响人行为。同时也得到视觉的愉悦和享受，扩大我们的知识领域，开阔了我们的视野。
通过对《清明上河图》的鉴赏使我了解了中国另一方面的优秀传统文化，了解中国传统的优秀思想和人生价值观，它拓宽了我的知识面，对培养我们的认识世界的能力,审美的眼睛和健康的审美情趣以及未来的人生发展,都具有十分重要的意义。
1、百度百科《清明上河图》。
2、百度美术鉴赏意。
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舞蹈史作为高校舞蹈专业的一门专业必修课，其主要目的是使学生了解中外舞蹈的发展概况，开阔学生艺术视野，同时培养学生创新思维、发现问题、分析问题和解决问题的能力。然而，由于种种原因导致高校舞蹈专业的舞蹈史论教学或多或少地存在教学方式单调、学生学习积极性低下等诸多问题，这些问题导致教师教学效果不好，不能有效达到本门课程的教学目的。
一、舞蹈史论课的教学思想。
教师只有明确了自己的教学思想，才能够在教学思想的指导下选择适当的教学方法进行备课和授课。好的教学思想有助于教学计划的制定和教学方法的选择，对教学目标的实现有指导性作用。在舞蹈史论课的教学实践中，应根据教学目的来制定教学思想，舞蹈史论课的教学思想是：通过该门课的教学，使学生了解舞蹈在不同的历史发展阶段所呈现出的特点，把握舞蹈发展变化的规律，提高学生的专业理论修养，从本源上理解舞蹈动作的意义，为舞蹈实践课的学习添砖加瓦。
二、舞蹈史论课的教学方法。
目前，高校舞蹈史论课的教学往往采取照本宣科的讲述式教学方法，把相关知识直接灌输给学生，其最终结果是学生对该门课程不感兴趣，课堂氛围不活跃，课后学生不知道自己学到些什么，感到茫然。要改变这种状况，我们在教学方法的选择上就必须把握该课程的教学思想，将教学内容通过恰当的方法呈现给学生。在教学中，教师应根据学生的知识储备，结合与专业相关的其他知识进行教学，在教学中扩散知识面，并根据授课内容选择多样的使教学方法，使课堂气氛活跃。只有这样才能使学生愿意学，且能真正学到有用的.知识。
（一）与舞蹈艺术概论基础知识结合。
在舞蹈史论的教学中会涉及很多舞蹈专用词语，比如“舞蹈特性”“舞蹈结构”“舞蹈语言”等等，如果学生没学过舞蹈艺术概论，或对这些词语不理解，则会对教师所讲的内容理解不清楚。
（二）与学生的专业实践课相结合。
舞蹈专业的专业实践课有芭蕾基训，古典舞基训，古典舞身韵，民族民间舞和剧目排练等等，不管什么实践课，其基本构成要素都是舞蹈动作和舞蹈风格。舞蹈史论课的教学思想之一便是让学生了解不同时期舞蹈的风格及特点。
（三）与代表性经典作品赏析相结合。
舞蹈是一门以视觉为主，视、听综合的艺术，舞蹈史论的教学离不开相关舞蹈作品的赏析，通过赏析代表性舞蹈作品或片段，学生能够更加直观、形象的了解所学某时期舞蹈的特点，同时还能调整课堂气氛。、与赏析相结合，并不是单纯的给学生放视频就可以了，应该在放视频前给学生讲为什么选择这个作品给大家赏析，这个作品是根据那一时期那种舞蹈创作的，并给学生提出问题如这个作品有哪些特点及特色，其代表性动作是什么，舞蹈作品的队形有什么特点等等，让学生带着问题去赏析作品。在赏析结束后，与学生进行互动讨论，找出问题答案，并让学生模仿视频中的典型舞蹈动作姿态，即兴创作几个八拍的小组合，这样不仅可以活跃课堂气氛、加深学生对某时期舞蹈特点的印象，还可以开发学生的舞蹈编创意识，这就使舞蹈史论课的知识传授有意无意地与舞蹈编导课的学习进行一定的结合。
三、舞蹈史论课的教学模式。
教学模式是一门课的教学活动结构框架和活动程序，任何教学模式都是以教学思想为指导围绕教学目的进行构建的。围绕着舞蹈史论课的教学目的，我采取的教学模式是“复习d进新课―提出问题d讨论d总结”。由于舞蹈是论课中需要学生理解和记忆的知识量较大，在进新课的过程中，为使学生更好的理解所学的知识，教师必须根据不同知识点的需求采用不同的教学方法主动引导学生进行学习、思考，使学生能够主动发现问题、解决问题；之后引导学生就相关问题或知识点展开讨论，最终通过总结使学生可以从宏观上把握某一时期舞蹈的特点。
四、舞蹈史论课的教学内容。
高校舞蹈本科专业的舞蹈史论课教学内容主要包括中国舞蹈史和西方舞蹈史两部分。由于课时量的限制，所有内容不可能一概而论，这就要求我们在制定教学大纲、选择教学内容时不应局限于某本教材，而应考虑到其他专业课程的设置情况，只有这样才能在有限的课时量内最多的交给学生所需要的舞蹈史论知识，并使他们可以学以致用。
除此之外，一堂课的成功与否与教师的备课有着重要的关系，舞蹈是论课教师在备课的过程中必须备教材、备学生、备教学方法。备教材要求教师必须将教材的内容转化成自己的语言，提取出其中的重难点，用自己的理解去讲授给学生，且不能够仅仅将备课内容局限于教材，应根据教学需要多种途径收集所需资料，为授课内容服务，使授课内容丰富多彩又突出重点；备学生要求教师必须根据学生的学习能力和接受能力来准备教学内容，教学内容不应过深也不应过浅；备教学方法要求教师在备课过程中寻找恰当的教学方法，使教学内容能够引起学生学习兴趣，使学生愿意学习。
总之，舞蹈史论课作为高校舞蹈专业本科生的专业必修课，只有任课教师在教学上不断进行思考改进，才能真正有效地实现该门课作为必修课的教学目的。
文档为doc格式。
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课程安排：二年级上学期。
课程性质：专业必修课。
适用专业：三年制（专科）美术教育专业。
一、教学目标和任务。
（1）通过对西方美术发展情况的了解，增长学生的艺术史知识，提高他们的艺术素养和鉴赏能力。了解西方的艺术观、价值观，以及西方现代艺术的新思想、新角度、新材料和新手法，拓展学生的思维和视野。
（2）外国美术史是美术专业的基础史论课程。系统了解和掌握外国美术发展的常识及其规律，扩大艺术视野，提高艺术修养。外国美术发展的文化、历史背景介绍，主要艺术家生平及创作历程介绍。主要艺术作品的分析介绍。主要教学手段课堂授课、幻灯展示作品，课外阅读辅导及课堂师生讨论。
二、教学方法与教学要求。
以课堂教学为主，运用大量的视觉材料展示图像，如幻灯片、画册、录像资料，强调直观感受，以欧洲美术史为主线，加以东南亚、中东、西亚、美洲美术，结合现有的艺术展览和新的艺术形式进行分析。
三、教学内容和教学安排。
课程学时：36学时。
课程安排：二年级上学期。
（一）教学目的：
（1）通过这一阶段的学习，使学生了解和掌握艺术的起源与欧洲。
文明的源头：古希腊文明，了解古埃及美术，两河流域文明，
罗马帝国美术及欧洲中世纪宗教文化，意大利文艺复兴在欧。
洲的影响，以及巴洛克与洛可可美术的发生、发展。
（2）使学生了解并掌握艺术史发展的内部规律，古典艺术的基本。
特点，学院主义的`行成与局限。着重讲述十九世纪末二十世。
纪初艺术史内部的变革，科技发展和社会变革给艺术的冲。
（二）教学内容和学时安排：
第一讲：原始美术（4学时）。
讲授欧洲现存的典型的原始艺术遗迹，古埃及和两河流域、古印度、美洲艺术，古希腊与古罗马艺术。
第二讲：中古美术（4学时）。
讲授基督教、佛教、^v^教美术。
第三讲：文艺复兴美术（6学时）。
讲授欧洲文艺复兴文化思想与艺术的联系，文艺复兴的成果及。
其影响、意义。
第四讲：巴洛克与洛克克美术（4学时）。
讲授巴洛克与洛克克艺术的形成、特征、影响。
第五讲：学院派、新古典主义、浪漫主义、现实主义美术（6学时）。
讲授学院派、新古典主义、浪漫主义、现实主义与十九世纪的巴黎。
第六讲：印象主义及后印象主义美术（4学时）。
讲授印象主义及其对视觉革命的意义，后印象主义的转折性地位。
第七讲：（4学时）。
讲授前苏联、东欧美术、拉美艺术。
第八讲：（4学时）。
讲授现代西方复杂的艺术流派介绍及与当代艺术的联系。
四、课程考核及标准。
开卷或闭卷考试，由任课教师出题或命题和评分，以百分制记分。评分标准：
（1）平时评价：课堂上认真学习，无缺席、迟到，发言积极，认真完成作业。
（2）期末考核：采用试卷考试方式。将考核分数记入在册，作为期末考试成绩。
学期记分方式：实行百分制，平时按30%，期末按70%计算，记入学。
期成绩。
优：（90分以上）概念准确、清晰、卷面整洁；答题逻辑性强，无文法错误，有独立思考，有文采；史论皆备。
良：（80—89分）概念准确、思路清晰、卷面整洁；答题逻辑性强，史论皆备，无文法错误；少独立思考，有个别错别字。
中：（70—79分）概念准确、卷面整洁；逻辑欠清晰，有少量语法错误，少量错别字；无文采。
及格：（60—69分）概念模糊，逻辑性一般，有少量语法错误，少量错别字。
不及格：概念模糊，逻辑混乱，有语法错误，有错别字。
五、教材及参考书。
教材：
《外国美术史及作品鉴赏》高师《外国美术史及作品鉴赏》编写组编著高等教育出版社。
参考书：
《外国美术简史》中央美院美术史系编著高等教育出版社。
六、教学设备与教具要求。
准备幻灯机、投影仪以及相关图像资料。
大纲修订时间：
教研室审核时间：
20xx年9月18日20年10月18日制定人： 审核人：
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高中美术鉴赏课就是要给学生营造一个轻松、愉快，具有浓厚艺术氛围的课堂，学生在这样的课堂中能自由展现自己独特的见解，张扬多彩的个性。教师如何呈现这样的课堂给学生呢？在设计教学时要从学生兴趣角度、认识角度去寻找有效方案。课堂场景的设置，不仅能吸引学生的注意力，还能唤起学生对美术作品鉴赏浓厚的兴趣，更主动的去了解、探索作品中折射出的相关知识。许多教师在这方面做了很多尝试，有效果比较好的，也有一些为了迎合学生的胃口，甚至把现在流行但没有多少意义的东西引入课堂，得到学生暂时的兴趣和笑声，给人哗众取宠的感觉，与教学内容链接的牵强附会。只有与教学内容相适应，相呼应的场景，才能达到理想的课堂效果。学生在场景中进行自我角色定位，大胆参与，身临其境，感悟美术作品独具魅力的视觉空间和思维空间，自由的发挥想象，有助于感性知识的形成，有利于抽象知识的具体化。
课堂教学场可景千变万化，活动课是学生最喜欢的课堂形式，参与的积极性非常高。活动课是学生的天堂，他们可以自由的讨论，自由的展现才华。把教学课设计成活动课的模式，创设相应的活动课场景，让两者有机的结合起来，取长补短。在第二单元第一课《原始人的创造》，有一个争论的问题：原始美术起源说。运用活动课中辩论赛的模式进行课堂教学。场景设计程序为：
1.根据题目进行正反方分组。
2.让学生用十分钟的时间自学本课内容或查找课外知识，在作品鉴赏中提炼出有利于自己辩论观点的相关内容。
3.辩论赛三十分钟。
在教学场景设计中，必须充分利用学生的多种感官，为其设定角色，调动学生健康的情感体验，丰富学生的直接经验和感性认识，有助于感性知识的形成，有利于抽象知识的具体化。如：在第三单元第九课《各异的风土人情》这课场景设计中，教师的角色定位于一个热爱民风民俗，热衷于民间工艺品收藏的旅行者。学生的角色则成了各个地区导游，教师背着行囊从本地出发，每到一处学生导游就要介绍当地的风土人情和民间工艺品。针对许多充满职业幻想的高中生，他们的参与积极性非常高，还有了激烈的竞争场面。学生在这样的角色中尽情的释放自己的能力，张扬自己的个性。在角色的情感体验过程中，学生能把美术知识与其他的知识相互渗透，在自己的角色中释放，这也是抽象知识的探索过程。教学场景的设计让学生通过各种形式的情感体验，在特定的场景中感知、理解、运用所学知识，从形象的感知达到理性的顿悟，提高了美术作品的鉴赏效率，学生有了了解美术作品的热情，更加主动去探索、研究抽象的美术知识.
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摘要：刘海粟是中国新美术运动的拓荒者，中国新美术教育的奠基人。他为中国美术教育事业做出杰出的贡献，在绘画上成就卓著，在美学思想和美术史论造诣上为中国现代绘画美学的开创和发展做出了贡献。
关键词：刘海粟美术教育美学。
作为20世纪美术和美术教育的拓荒者、艺术大师，刘海粟除以杰出的艺术成就彪炳画坛，又以其独特而完整的美学思想体系和美术史论造诣，为中国近代绘画美学和美术史论的开拓、发展做出了贡献。其中很多著作，观点新颖独到，详细而精确地论述了艺术的本质和艺术表达的内容与表现形式，分析了艺术的审美标准与价值。刘海粟的理论在现代绘画美学上具有超越和创新精神，尤其是他所强调的艺术所具备的主观表现、艺术情感和艺术个性。
一、为中国的美术教育事业做出杰出贡献。
刘海粟是中国新美术运动的拓荒者、新美术教育的奠基人。1912年，刘海粟创办上海美专，也就是南京艺术学院的前身。为了上海美专的生存发展，他多次向亲戚借钱，参加义卖资助办学，把香港画展中100万港币的画款全部捐献给南京艺术学院。刘海粟坚持走自己的教育之路，努力摆脱传统的学院主义的束缚，坚决反对禁锢学生的艺术思想，提倡个性发展。主张兼容并蓄，提倡艺术风格的多样化。他十分重视外出写生，强调艺术创作要尊重自然，贴近生活，师法造化。课堂上，他严格要求学生通过各种写生活动来深入了解自然世界，尊重客观，在对静物、人物和风景写生时，不能照搬原物，要根据自己当时的感受去灵活生动的表现它们。刘海粟始终坚持艺术实践，曾经多次上黄山写生，每次都把对黄山的不同感受都表现的淋漓尽致，以表达他心目中黄山的永恒之美。这就是至今仍值得我们钦佩的“黄山精神”。这精神就是尊重客观世界，结合主观表现，不断创新，突出个性。我们从他一系列的黄山作品中，能够深深地体会到一种从量变到质变的过程。刘海粟首次倡导在中国使用人体写生，实行男女同校。他的关于人体艺术的美学思想精论是对传统伦理美学思想的超越，在民国绘画美学史上有重大影响，为开创西方式的美术教育作出了贡献。
二、倡导中西融合，注重创新和个性的发展。
刘海粟倡导中西融合，反对“全部西化”。1929年刘海粟首次赴欧学习考察两年半。在法国和意大利等国努力汲取西方绘画真谛，同时不忘介绍、宣传中国美术。他的油画作品能使人感受到一种中国气息，因为他把中国传统的国画元素运用其中，包括中国画的笔触，线条，表现形式等，所以他的油画作品风格独特，具有国画的意蕴。早年刘海粟的油画写生中明显带有中国画的笔画，如《前门》、《向日葵》、《休息》、《在此》等优秀作品。而他创作的国画，又是在传统国画的基础上，巧妙地结合了油画的空间感和独特的质感。尤其是刘海粟晚年的作品，形式新颖，主题突出，色彩强烈，突破了传统国画的表现形式。这正表现了他所坚持“融合中西以创新”，“发展东方固有艺术，研究西方艺术蕴奥，从创新中得到美的统一”。
刘海粟的绘画注重个性发挥，无论国画或油画都充分展示他特有的性格。在70年的艺术生涯中，他“始终是自己走自己要走的路，自己抒发自己要抒发的情感”。他的作品是由自然、生活所激发，真切而实在的主观思想情感的表白，体现了时代、民族特性。在艺术创作过程中，刘海粟特别强调在尊重客观的基础上结合个人的主观意识，突出艺术家的个性。1982年10月，他和南京艺术学院学生谈话时说：“黄山有永恒的美，但她有各种各样的变化，使我永远画不尽，要知道学无止境，艺术无止境，每上一次黄山，就是跟大自然较量一次，也跟自己较量。我画黄山，每次都有那么一点新意。”因此，“客观与主观相结合”和“主观表现和个性发展”并重是刘海粟所遵循的艺术创作原则。他认为表现就是艺术家强烈的渴望用独特的、极具个性的艺术语言表达自己的生命和人格。
三、为中国现代绘画美学的开创和发展作出了贡献。
通过系统的研究中国古代绘画美学，刘海粟形成了自己独特而完整的现代绘画美学体系，其精髓就是情感、个性和主观表现说。他发表了许多论著和译著，如《日本新美术的新印象》、《梵高》、《高更》、《欧游随笔》等一系列著作中，渗透着他的表现主义美学观，可以说，中国美术表现主义体系及其理论的进一步确立是由他开始的。刘海粟也是一位出色的美术史论家，是中国近代美术史论的先驱之一。他对艺术史见解独到，认为“一部艺术史，即是一部创新的历史”。刘海粟的观点洒脱，对艺术的抒发强调创新，从统摄艺术史趋势入手，敏锐把握美术发展的时代脉搏。刘海粟的美学思想体系，为中国现代绘画美学的开创和发展作出了贡献。
在艺术多元化的今天，回顾刘海粟在20世纪中国美术史上的贡献，使我们从他积极进取和实践创新精神中重新找到创作的动力，我们不会忘记他在艺术上的创造性成就和为祖国美术教育事业作出杰出的不可替代的贡献。
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摘要:本文分析了开展中外美术史教学对提高学生综合素质的重要作用,提出了通过课堂艺术教育实施素质教育的途径。但在实际的教学工作中,存在一些问题,对这些问题的研究和探讨对改善教学效率、提高教学质量有积极的促进作用。
关键词:中外美术史教学艺术专业学生艺术教育。
在高等学校的教育中中外美术史课不仅是艺术专业学生的必修课,也是非艺术专业学生热衷的公选课,更是促进校园文化建设、提升学生素质内涵的重要阵地。中外美术史教学不但能使学生掌握基本的专业知识,了解中外艺术的发展历程,更能通过欣赏大量的杰出艺术作品培养学生的鉴赏能力和健康的审美情趣。
(一)了解优秀的世界文化遗产,培养较高的鉴赏能力。
“没有美育的教育是不完美的教育”,中外美术史教学的开展可以唤起学生对艺术生活的追求,通过精美的图片、经典的艺术片段等,对大量优秀艺术作品进行欣赏,从而使学生了解古今中外各种不同时期、不同文化传承,了解艺术发生的历史背景、作品背后的故事,开拓眼界。在此过程中,我们要注重培养学生的艺术鉴赏力,全方位提高他们在视觉、听觉、肢体语言等方面的鉴别能力。
(二)加强民族文化教育,增加民族自豪感。
在当代的高等教育中应该秉承传统,对学生进行。
其次,在高校的史论实际教学中有这样的现象:史论教师缺乏,有的根本没有专门的史论老师,史论课由绘画或设计老师兼上,这些老师缺乏对艺术史深层次的研究,他们可能对不同画家及流派的作品很熟悉,但大多以画论画,流于表面上的介绍、讲解,同时他们也有专业的局限性,不能更深层次地挖掘事件形成的原因,不能将艺术和哲学等相关学科相联系,不能将艺术的本质揭示出来,不能将中外艺术的整个发展脉络作横向或纵向的比较等。这样的后果就是老师讲不好,学生听不好,导致学生产生厌学情绪。人的精力毕竟有限,专攻各有不同。对于学校来说,尽量配备几名专职的美术史论教师,让他们教授一门或几门在学术上密切相关的课程,尽量创造条件,使他们学有所长,在学术上有所研究,给课堂教学注入活力,将在很大程度上调动学生的学习热情,增强学习效果。
再次,中外美术史的教学通常用讲授法,教师讲,学生听,教师讲什么学生听什么,课堂上互动少,气氛不活跃,学生学得枯燥,学习兴趣不高。现在的史论课堂大多都是大量的幻灯片加上教师的讲述,更像是看图说话,老师将自己的理解和感受直接传达给学生,学生被动地接受,往往不能产生共鸣,教学形式非常单一,课堂上很少互动,课后也很少有作业。事实上,不同的学生对同一幅作品有不同的理解,不同的学生对艺术流派、画家的喜好也各不相同,我认为在中外美术史的课堂上要充分调动学生学习的能动性,在教师的帮助下,进行探究式的学习。教师将内容提前交代给学生,让学生在课外自己先通过查找、整理、归纳等方法对学习内容进行了解。在课堂上可以采用学生讲、老师听,集体总结的方法,让学生们充分积极地参与到学科的学习中,给他们各抒己见的机会,大家共同探讨,从中发现新的亮点,将压力变成动力,创造一个平等、互助的交流平台。
最后,大多数的中外美术史课没有很多的作业,结束的时候也往往以一张试卷或一篇论文了结。这样学生往往学得没有压力,精神上不重视,学习效果差。我觉得中外史论课是艺术系学生少有的非绘画性的课程,而艺术类学生的笔下功夫通常比较薄弱,有的同学想法很多,但是写不出来,容易犯论文的选题过大而且空泛、遣词造句不准确、文章结构不合理等问题。所以应该充分利用中外史论课的平台,鼓励学生多写,这样老师也可以通过学生的文章了解学生的见解。老师可以分阶段提供一些命题供学生选择性研究,或者由学生自己找出感兴趣的命题,教师提供帮助完成。最后要让学生既写出符合学术规范,又能够对艺术作出准确判断、具有学术价值的论文。
参考文献:。
[2]张敢.艺术史论.装饰,2007-7.
[3]尚刚.
外国美术史论文
第一章：原始、古代美术（从史前到古代罗马三万年）古希腊文明是西方文明的源头。古罗马人是希腊文明的继承者，古罗马人的艺术才能在建筑中得到充分体现.古代希腊和罗马艺术奠定了西方古典艺术传统的基础，也达到了古代美术史的巅峰。
第一节：原始美术。
三：新时期时代美术：巨石建筑。英格兰南部的圆形巨石拦“斯通亨治”。以其雄伟的环形结构、嘴角的庄严肃穆和悲剧性的壮美而引人瞩目。
第二节：古代两河流域美术。
指在近伊拉克境内的幼发拉底河和底格里斯河。古希腊人称之为“美索不达米亚”是人类文明最早的发祥地之一。直到公元前538年被并入波斯帝国为止。分为四个时期：苏美尔--阿卡德时期。古巴比伦时期：汉莫拉比法典亚述时期。新巴比伦时期。
第三节：古代埃及美术一：美术特点：
埃及是古代奴隶制专制国家的典型代表金字塔的社会结构。法老、大臣、平民、奴隶。埃及艺术是为法老和少数贵族服务的，作用是歌颂王权，巩固奴隶主国家的政权，强调等级制度。特点为规模宏伟。宗教对埃及艺术产生了重要的影响。艺术大多为死者服务。埃及艺术形式在3000年间基本稳定不变。总的说是壮丽、宏伟、明确、稳定、有严格的规范，又具有写实基础上的美化————地理位置封闭。与外界隔绝造成了文化发展上的单一状况。二：古王国美术：
第四节：爱琴美术，古代希腊美术。
一、爱琴美术。
二、古代希腊美术。
菲迪亚斯：《命运三女神》。他设计了雅典卫城建筑。创作了卫城中的大量雕刻和装饰浮雕。发展了米隆的成就，在写实方面达到了更高的境地。他追求的是一种理想风格，其作品创造了典雅、肃穆的形象，是古典雕刻的理想典范。
波留克列特斯：《持矛者》。
普拉克希特列斯：《赫尔墨斯与小酒神》4希腊化时期。
《萨摩色雷斯的胜利女神》。《拉奥孔》。
第五节：古代罗马美术。
罗马人是希腊艺术的崇拜者和模仿者希腊艺术主要用于敬神，围绕神庙和祭祀、纪念活动进行创作，带有理想化的色彩。罗马人的艺术则大多数是以给帝王歌功颂德、满足罗马贵族奢侈的生活需要为目的的。
总之，希腊艺术是理想主义的，简朴的、强调共性的，典雅精致的。罗马艺术是实用主义的，享乐的，强调个性的、宏伟壮丽的。
罗马美术的主要成就是建筑。斯洛西姆竞技场。代表了罗马建筑的顶峰。凯旋门是古罗马的主要建筑。
第二章：欧洲中世纪美术（自公元476年西罗马帝国灭亡到15世纪文艺复兴运动开始的这段时间成为中世纪）文艺复兴时期的意大利人为了反对宗教神权统治，推崇古希腊罗马的文化传统，并认为从罗马帝国覆灭之后到文艺复兴之间的历史是野蛮黑暗的时代，是处于文明与复兴之间的时代，故称”中世纪”。基督教的影响占有统治地位。
第一节：早期基督教美术。
第二节：拜占庭美术。（公元5世纪到15世纪）君士坦丁大帝迁都拜占庭。
第三节：蛮夷艺术和加洛林美术第四节：罗马式美术。
第五节：哥特式美术（意大利文艺复兴学者把12到15世纪之间的艺术称为哥特式艺术。）是中世纪艺术发展的一个顶点。
建筑：最著名的法国巴黎圣母院。意大利米兰教堂（最大的哥特式教堂）。
巴黎圣母院。
米兰教堂。
第一节：意大利文艺复兴美术一：开端。
温布里亚画派。
帕都亚画派。
三：兴盛期（15世纪末到16世纪中叶）。
四：威尼斯画派：
贝利尼：被认为是威尼斯画派的创始人。乔尔乔涅提香。
五：样式主义(是16世纪初出现于意大利佛罗伦萨的艺术风格，后发展到欧洲其他地区，上承文艺复兴下启17世纪的巴洛克艺术。主要流行于16世纪20年代至16世纪末）艺术特点是技巧十分精湛，但追求的是其一刺激的效果，而不是宁静与和谐。样式主义往往采用不符合常理的幻想式构图，喜欢表现裸体。人比例常常是夸张变形的。画面人物众多，但姿势扭曲，迷恋于是用透视法。色彩往往也像画面内容一样光怪陆离，更多地是表现情绪而非只是的自然。主体有时晦涩难明，只有内行的观众才能看得懂。
第二节：尼德兰文艺复兴时期美术。
一、15世纪尼德兰绘画。
康宾与杨.凡.艾克是尼德兰画派的主要奠基人。
二、15、16世纪之交的尼德兰绘画三：16世纪的尼德兰绘画。
第三节：德国文艺复兴时期美术。
第四节：西班牙文艺复兴时期美术一：14至15世纪的西班牙美术。
西班牙文艺复兴的总的面貌是：不同于意大利，他缺乏雄厚的人文主义思想。人文主义不能再西班牙扎根的原因，在于西班牙的王权、贵族和教会势力太大，资本主义发展却又先天不足。由于宗教裁判所的干预，美术中很少有裸体形象，特别是对女性裸体的描绘。从绘画方面看，由于受艺术品订货人所支配，令创作题材集中于两个方面，一是歌颂国王、贵族和帝国历史；二是描绘宗教故事。
第五节：法国文艺复兴时期美术、枫丹白露画派：卡隆。古赞父子。
第四章：
17、18世纪欧洲美术。
第一节：17.18世纪意大利美术。
一：17世纪意大利学院派美术。
由于过分强调法则，所以学院派的画家比较保守，缺乏创新精神。他们的作品的题材也比较狭窄，大都是描绘宗教或者神话，而对世俗生活的题材往往不感兴趣。在技法上比较偏重于素描而轻视色彩，以上这些特点都为古典主义美术的发展奠定了基础。
二：卡拉瓦乔与地方画派。
卡拉瓦乔把目光对准下层，专门画那些被侮辱、被损害者的形象。二是他对自己所处的社会抱有批判和怀疑态度，而他这种怀疑与批判被一些人看做是叛逆的表现，所以人们把他看做是“不合群的人”
三：巴洛克美术的形成与发展。
巴洛克艺术虽然不是教会发明的，但他是为教会服务，被宗教利用的，教会是他最强力的支柱。特点：
1.他有豪华的特点。服务对象主要是上次人物和贵族。2.他具有浓郁的浪漫主义色彩。
3.他具有运动感。运动可以说是巴洛克艺术的灵魂。4.他的表现语言具有综合性。5.他具有浓厚的宗教色彩。
巴洛克艺术大师贝尼尼《阿波罗与达芙妮》。
四：意大利18世纪的美术。
第二节17世纪佛兰德斯美术。
鲁本斯《亚马孙之战》《强劫留西帕斯的女儿》。
他成功的将宏伟豪华的巴洛克风格与尼德兰传统的艺术风格融合起来，形成了装饰性很强的，具有浪漫主义倾向的画风：造型粗犷豪放，色彩炫丽响亮，笔触自由奔放，画面往往有一股澎湃的动势和热血运动的激情。
鲁本斯是以为宫廷画家，也绘有许多宗教题材的作品，主要是面向上层社会的。但综观其艺术生涯，最为可贵的人文主义思想和世俗精神贯穿始终，作品洋溢着感人的生命力，热情讴歌了人的伟大力量和壮美永恒的大自然。他的艺术风格和成就对后世好几代艺术家都产生了巨大影响。
第三节17世纪荷兰美术。
哈尔斯:是荷兰现实主义画派的奠基人《吉普赛女郎》伦勃朗：《夜巡》。
三：荷兰小画派。
1.作品的画幅偏小，适宜于市民阶层悬挂室内以装饰之用。
2.不表现重大的社会题材，特别注重对生活细节的描绘，迎合市民阶层的审美趣味。画面上多表现妇女梳妆打扮、弹琴唱歌、读书写信或做轻微的家务劳动，表现荷兰艺术在蓬勃发展过程中的局限性。格拉尔德.特鲍赫皮特。德。霍赫约翰内斯。维米尔。
四：荷兰风景画与静物画的艺术成就。
米德尔哈尼斯的道路（并木林道）迈因德特。霍贝玛。
第四节17.18世纪西班牙美术。
三、18世纪西班牙绘画。
戈雅的艺术具有鲜明的民族特性、现代性和世纪的历史感。他的民族性表现在深深扎根在西班牙的土地上，有着西班牙画家刚毅的气质。同时，他直接集成了17世纪现实主义艺术的优秀传统。他的现代性表现在画家总是跟着时代前进，用直接独特的艺术语言传达时代的音符。戈雅艺术中的实际历史感表现在他把事实的历史展示给人们看。在描绘社会和历史事件的过程中，他总是爱憎分明，充满了战斗的热情。戈雅是一位战斗的画家，正像有人说的那样：“戈雅他醉心于新的思想，但他又无法逃避这一个病魔的世界。”的确，他的一生都在向这个病魔世界进行斗争。
雕塑当时西班牙雕刻分为南北两派，北派以巴利亚多利德为中心，南派以塞尔维亚为中心。北派代表：乔治。费尔南德斯《哀悼基督》南派：胡。马。蒙塔涅斯。
第五节17.18世纪法国美术。
普桑《诗人的灵感》《萨宾妇女被掠》《摩西遇救》勒布伦在造就法国统一艺术风格方面的作用是无人能比的。
18世纪的法国绘画。
被称为罗可可的艳情艺术主宰了18世纪前半期。华托布歇佛拉戈纳尔。
夏尔丹在万事崇尚奢华的路易十五时代，他沉穆凝重的静物画愈显纯美动人。
第五章19世纪欧洲及美国美术。
第一节法国新古典主义美术。
安格尔大卫的学生《大宫女》《泉》《小提琴家帕格尼尼》。
第二节法国浪漫主义美术籍里科《梅杜萨之筏》德拉克罗瓦《自由领导人民》。
第三节法国批判现实主义美术。
1848年至1870年是现实主义大放光彩的时候。宗教对于解决当代社会问题的无能无力和科学技术在社会实践中的应用使人们对进步充满石刻的信念，渴望在艺术中看到宗教生活的时代。
库尔贝《奥尔南的葬礼》《画室》巴比松画派。
卢梭《橡树林》为印象派的出现开辟的道路杜比尼。
马奈《苦艾酒的嗜好者》《草地上的午餐》。
莫奈《日出印象》《草垛》《鲁昂教堂》组画《睡莲》雷若阿德加西斯莱毕沙罗。
二新印象主义(点彩派)修拉西涅克三后印象主义。
后印象主义画家们的艺术探索和追求从本质上说是对印象主义的否定。塞尚梵高。
高更《我们从哪里来？我们是什么？我们到哪里去？》。
第五节19、20世纪初的法国雕塑。
吕德《马赛曲》。
罗丹《加莱义民》《地狱之门》《巴尔扎克纪念碑》。
一、19世纪德国浪漫主义美术佛里德里希拿撒勒派。
二、19世纪德国现实主义美术门采尔。
三、19世纪德国其他流派象征主义外光派。
第七节19世纪瑞典丹麦比利时美术。
第八节18、19世纪英国美术。
一、18世纪的英国美术荷加斯《文明婚姻》雷诺兹庚斯博罗。
二、英国浪漫主义绘画弗赛里布莱克。
三、英国风景画四拉斐尔前派。
第九节19世纪美国美术。
第十节18、19世纪俄罗斯美术。
三、19世纪下半叶俄罗斯美术巡回展览画派。
这是19十九世纪下半叶最主要的进步艺术团体，这是名称为“巡回艺术展览协会”，简称巡回画派。巡回画派遵循别林斯基、车尔尼雪夫斯基等人的美学主张，在俄国各地举办了近50次巡回展览。画家们站在民主主义的立场上，反映人民生活、历史事件和俄罗斯美丽的大自然。列宾、苏里科夫、瓦斯涅佐夫、谢罗夫成为巡回画派的中坚力量。
第六章20世纪美术。
第一节西方美术。
一、第二次世界大战之前的西方现代美术思潮与流派。
立体主义是富有理念的艺术流派。他主要追求一种几何形体的美，追求形式的排列组合所产生的美感。他否定了从一个视点观察事物和表现事物的传统方法，把三度空间的画面归结成平面的、两度空间的画面。明暗、光线、空气、氛围表现的趣味让位于直线、曲线所构成的轮廓、块面堆积与交错的趣味和情调。
立体主义被人们看做现代主义的“分水岭”。他的出现是因为艺术受到了现代哲学、科学和机械工程学的刺激，也受到了塞尚晚期绘画中抽象视觉分析的影响，还受到非洲面具造型的启发。
主将是毕加索、布拉克。毕加索创作于1907年的《亚威农少女》被认为是第一件立体主义倾向的作品。
未来主义意大利领导者为诗人马里内蒂发表《未来主义宣言》，以浮夸的文字宣告传统艺术的死亡，号召创造与新的生存条件相适应的艺术形式，宣告未来主义的诞生。
表现主义。
主要活动基地在德国。是从后印象主义演变发展而来。是对印象主义忠实地描绘现实的叛逆。他继承了中古以来德国艺术中重个性、重感情色彩、重主观表现的特点。在塑造上追求强烈的对比，追去扭曲和变形的美。
成员：基希纳、诺尔德、黑克尔、佩希施泰因、米勒。
a、他的抽象艺术实践开辟了西方抽象艺术的先河，把表现主义推向成熟阶段。b、他的抽象主义理论集中在著作《关于形式问题》、《点线面》、《论艺术的精神》中。内容涉及到抽象形式的法则和美感、绘画的音乐性、创作中的偶然性等问题，值得人们思考和研究。
c、强调绘画的自律性;强调色彩的独立表现价值;主张画家的心灵体验和创造，通过非具象的形式传达世界的内在声音。
达达主义杜尚《泉》《l.h.o.o.q》。达达主义的目的不在于创造，而在于破坏和挑战。达达主义艺术运动是1916年至1923年间出现于法国、德国和瑞士的一种艺术流派。达达主义是一种无政府主义的艺术运动，它试图通过废除传统的文化和美学形式发现真正的现实。达达主义由一群年轻的艺术家和反战人士领导，他们通过反美学的作品和抗议活动表达了他们对资产阶级价值观和第一次世界大战的绝望。
超现实主义。
抽象表现主义。
托比受中国书法和艺术影响德。库。宁。
克兰也受地方书法影响。
波洛克抽象表现主义运动中最有影响力的艺术家。
背景：20世纪50年代初萌发于英国，50年代中期鼎盛于美国。是对抽象表现主义倾向的反动。将大众传媒和商业化作为艺术创作主题和动机，将艺术创作和商业图像混为一体。在创造中大量运用现成的物品，如热狗、馅饼、服装、画报、公路标志、罐头等。特点：a、利用在生活环境中接触的材料和媒介来制造大众所能理解的形象，以使艺术和工业文明相结合，并利用大众传媒(广播电视报纸印刷品)加以普及。
b、这些大众通俗的艺术中有新奇活泼富有性感的内容来吸引观众注意力，刺激消费欲望。
c、波普艺术精神：能准确捕捉大众文化的内涵，用何种表现形式艺术家有广泛的自由。d、波普艺术把生活中现有的实物挪动位置、改变环境赋予新的含义，也被称为“新达达主义”。
代表人物：汉密尔顿、安迪。沃霍尔、利希腾斯坦。
4、后现代主义。
是20世纪50年代以来欧美各国继现代主义之后前卫美术思潮的总称。后现代主义的概念最早出现在建筑领域,后来逐渐扩展到美术等其他领域。后现代主义以艺术的大众性反对艺术的精英性,以粗俗、生活化反对精雅的艺术趣味;主张艺术各门类、艺术与生活之间界限的消失,艺术品不仅要作用于视觉,而且应该作用于听觉、触觉,甚至嗅觉的美学主张,以及艺术的目的是制造“整体情景”等等。较有影响的流派有:环境艺术派、大地艺术派等。